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赵月琪:怡然自乐画世界
吕振杰 发表于:2010-6-21 10:03:10
赵月琪,1937年生,河北黄骅人。1959年考入天津美院本科班,得名家孙其峰、张其翼、溥佐、肖朗、王颂余等老前辈亲授。原为河北美协会员、黄骅美协副主席、黄骅师范高级讲师。
    1982年前后创作大量年画作品,在天津、河北、山西、辽宁、吉林、四川、贵州等多家出版社出版,并多次在市内外、省内外美展中获奖,被报刊、画集收载。上百幅作品被海内外机关、学校及私人收藏。
    1989年先后六次入编各省、市出版的“辞典”“名录”等多种辞书。现在经常参加一些社区活动,以书交友,以画为乐,过着悠闲充实的晚年生活。

    记者:赵老师,您好!隔行如隔山,在我们外行看来,绘画是一门很高深的艺术。您能以作一幅画为例,简单为我们讲一下这方面的知识吗?
    赵月琪:画一幅画,首先要有立意。画什么,怎么画,怎样构图,怎样布局,占哪一部分,空哪一部分,哪里要繁,哪里要简,哪里应实,哪里应虚,要有个大体估计,模糊设想。开始动笔要轻重适当,特别是线与线的衔接处,不必过实过紧,要为下一步的改动留有空间,留有余地。其实每一笔下去都有不确定因素,需要一遍遍地改动、调整,使画面渐渐清晰完善起来。画面上的皴、擦、点、染要适可而止,恰到好处。包括用线在内,都要与皴擦点染有机结合,协调一致,形成一个整体,要疏密得当,虚实有度。用笔的轻重、粗细、疏密、浓淡,都是根据需要,画任何一处,哪怕一笔一点,都要统筹全局,服从整体,给全图烘托一种气氛,使其显露独有的品格和风姿,特别是山水画,哪怕是笔痕墨迹也是围绕意境的营造和难能捕捉的神韵。作画的整个过程,都是一个改动、修补、协调、完善的过程。这点、那线千变万化,它还是那个点、线,并没有多少奥妙之处,它们本身都是一些抽象元素、抽象符号,也没什么好坏美丑之分。让人惊喜地是,画家就是用它们营造出光彩夺目的艺苑奇葩。
    记者:爱因斯坦有句名言:“兴趣是最好的老师”。您的兴趣是如何引导您步入画艺之路的?
    赵月琪:我出生在一个贫困的农民家庭,断断续续地上了几年小学,很多时间都在帮家里做些零活,例如打草、放牛之类的。几十年眨眼而过,却又像昨天的事。回忆起来,那真是一个金色的童年!几个小伙伴,不管牛的去向,找一块平坦光洁的不毛之地,用镰刀或红荆条在地上构画出天真烂漫的“惊世画作”,生怕别人看不懂,还在旁边加上“天书”一样的文字说明,尽管内容有些不雅,但自己还是津津乐道,赏识备加。大概那就是画艺之路的开始吧。
    上了初中之后,竟有美术课之说,就特别高兴,也才知道画画有一个更动听的名字——美术。课上画得好,老师还多给加分,真是玩中有乐、乐中有得的大好事,对于爱写爱画的孩子来说那是一种莫大的诱惑和机遇。到了高年级又参加了课外美术组,有专门的老师做辅导,不是画速写就是画素描,这就为以后的专业学习做了一个铺垫。
    1959年有幸考入天津美院本科班,得到了名家名师的言传身教,步入了正轨系统的学画之旅。
    记者:1963年,为期四年的天津美院学习生涯结束了。请您为大家介绍一下这四年的学习情况。四年的学院学习,为您今后的艺术创作奠定了哪些基础?
    赵月琪:在校四年的学习中,大一、大二两年,主要是打基础,多半是学文化课和绘画理论课。技艺训练多画些素描、水粉、水彩、速写之类。大三开始分专业,我被分在国画专业。期间,临摹了不少历代名画原作,学到了一些传统的基本理论和技法。同时还能亲眼目睹名家名师的课内示范表演,使我眼界大开,不仅了解了一些画具画材的性能和用法,更重要的还是领略了当代画家的理念、画风、品格和笔墨特点。这对我后来的学习、创作,都起到了重要的指导作用。
    记者:大学毕业以后,您一直在基层从事国画教学和培训辅导工作,也从没有放弃您所挚爱的绘画创作,并取得了令人倾慕的成就。一路走来,您不同时期作品的内涵是什么?您由早年创作传统工笔画转为写意花鸟及山水,“并将两者交替轮换,互为所长、互相生发,融汇铸冶于一体,从而形成立意、技法、构图、用笔上都异常丰富多样、苍茫老辣的画风”。最终形成任情使性的画风,这背后所支持的艺术观点是什么?
    赵月琪:毕业以后,我一直在基层从事国画教学和培训辅导工作。真正搞创作还是在“文革”之后,那时只能画些宣传画、黑白画,所谓思想性较强的东西。后来,画了一些年画。退休之后,在家办了个美术训练班。为了演示给学生看,我经常画些非正规的国画创作,或许叫习作更恰当。实际上就是我行我素,随心所欲,信手涂鸦!幸好是面对学生,也不顾忌什么面子,这样倒更多了几分自信和放松。画起来根本不受清规戒律困扰,在用笔、用墨上可以自由挥洒。不时会玩出些试探性顿挫、颤抖小技,以求线条的变化与律动。偶尔也会出现一些意想不到的效果,久而久之,这种偶然也会成为必然。
    过去我是画工笔画的,因眼花了,开始画些写意画。因为不是任务,没有约束,画起来就更加随意和放纵。这样,更能反映自己的内心情绪和感受。画到忘我的时候,也会自觉不自觉地随便加些自编自造的肌理和捉摸不定的抽象的东西。这是为了让笔墨不再那么直白和单调,多少能让画面增添点活脱和含蓄。看来传统的东西不能丢,带点新潮的因素也不要排斥,前人说笔墨当随时代,确实说的在理。理念也好,技法也罢,决不是一成不变的。不变是暂时的,相对的;变才是永恒的,绝对的,有前途的。这是自然界的法则和规律。据我所知,有些已经步入老年的画家,他们仍在这方面受益。
    由工笔画转为写意花鸟和山水,还有一个好处,正如你前面所说的,两者可以交替轮换,互为所长,互相生发,融铸一体。在施技造境上,使工笔不再刻板单调,使写意兼备严谨准确,两者均得到延伸拓展。
    记者:齐白石说:“艺术妙在似与不似之间,太似媚俗,不似为欺世。”您怎么理解齐老的这句话?在这里,也请您谈一谈自己对这门艺术的理解和感悟。
    赵月琪:我对这句话的理解和大家一样,不会有什么独到之处。可能在一些枝节上会各有偏执。比如画一个人或一棵树,对一个初学者来说,他全力摹描人、树的外形、局部,哪怕是一条衣纹、一根毛发、一根细枝、一片小叶也不遗漏。他觉得这近乎完美,其实不然,这种表面的、机械的描绘还不如一张低劣的照片。一个较为成熟的画家也是画人画树的外形、局部,甚至细节,但他是有情感、有理解、有选择、有取舍的描绘。他是画那些本质的,有代表性的,或减枝添叶,渐趋完美,最后达到作者事先想要的艺术效果。也许画与原物相比这里少了几条衣纹,那里多了几个枝叶,这里比原物长了些,那里比原物短了点,好像不忠于原物了,但是当把画挂起来,远离几步看,画就活了起来。它要比原物更鲜活,更生动,更传神。艺术要源于生活高于生活,要神似,不要形似。要成为有血、有肉、有感、有情的有内在气质的艺术载体。至于不似欺世就更好理解。不管你如何千变万化,妙笔生花,总不能把人画成树,把树画成山,甚至最后画成一堆垃圾,那样不是欺世又是什么?
    至于对这门艺术的理解和感悟,应该说艺术首先要解决的是一个方向问题,为谁服务的问题。当然是为人民服务,我们的作品面对民众,应当得到他们的认同赏识和赞美,否则还有什么意义和价值呢,还算什么艺术品呢!是艺术品就应有艺术性,要美。当然美也有所不同。比如说京剧中的皇姑,是一种娇美,甜美,靓丽之美;秦香莲是一种朴素美,自然美;那么包公就是一种壮美,深沉的美,内在的美,永恒的美,谓之大美。绘画上就有错落美、残缺美等等。要说技法,正如名家所说,再好的美景,如果没有个性化的笔墨也难以体现抒发作者的心境情怀,更不可能发挥中国画所独有的笔墨机趣和笔墨韵致。为了寻求贴切自身情况的技法,我看过不少有关这方面的书,也从中汲取了一些营养,但最终都不能现成地搬来为己所用,还得从生活中汲取养分,酿制自己的语言符号。你若问我有什么套路用什么方法,我只能说,路无绝路,法无定法。
    这些说起来容易,实际画起来就不那么轻松。应当说完美只是个目标和理想,做起来就要根据自己的实际情况,尽其所能,量力而行。能攀多高就上多高,能走多远就走多远,要淡然处世。毋强己所难,自己就是自己,何必将人比天。
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